В истории мировой литературы вряд ли можно найти имя писателя или поэта, творчество которого так же широко отразилось бы в музыке, как творчество Пушкина. Музыкальная пушкиниана насчитывает тысячи названий. Сюда входят оперы и романсы, симфонические произведения и музыкальные драмы, балеты и народные песни.
«Пушкин—неисчерпаемый родник для русской музыки», — писал А. Н. Серов. А замечательный русский композитор А. К. Лядов говорил: «О Пушкин, Пушкин! Вечный, лучезарный, свободный художник. Вот перед кем могу стоять на коленях!»
Любовь и тяготение композиторов к творчеству Пушкина объясняется тем, что мысли и чувства поэта общечеловечны, весь строй его произведений ярок и эмоционально насыщен, фраза богата содержанием. Бесконечное разнообразие тем и образов позволяет каждому находить у Пушкина родное, близкое своей индивидуальности, зажигаться его поэтическим вдохновением. Произведения поэта отличает стройность, их язык звучен и гармоничен. В. Г. Белинский в статье «Разделение поэзии на роды и виды» приводит стихотворение «Ночной зефир струит эфир» как пример лирического произведения, в котором почти стираются границы, отделяющие поэзию от музыки. «Что это такое? Волшебная картина, фантастическое видение или музыкальный аккорд. Что это: поэзия, живопись, музыка? Или и то, и другое, и третье, слившееся в одно, где картина говорит звуками, звуки образуют картину, а слова блещут красками, звучат гармонией и выражают разумную речь. »
Если роль творчества Пушкина так велика в развитии русской музыкальной культуры, то не менее интересно проследить, какое же значение имело музыкальное искусство в жизни и творчестве самого поэта.
Сила воздействия музыки на Пушкина была очень велика. Часто, упоенный звуками, поэт произносил: «И замереть и умереть можно. » Пушкин — единственный из русских поэтов — писал стихи на определенную мелодию. Так, под впечатлением услышанной в Бессарабии цыганской песни поэт создает полную страстного огня и драматизма песню Земфиры, а под непосредственным воздействием восточной мелодии рождается стихотворение «Не пой, красавица, при мне».
С детских лет и до конца дней Пушкин сохранил любовь к народной музыке и песне. Вспоминая юношеские годы, поэт писал, обращаясь к няне:
Ты, детскую качая колыбель,
Мой юный слух напевами пленила
И меж пелен оставила свирель,
Которую сама заворожила.
(«Наперсница волшебной старины»)
Русская песня для Пушкина была не только источником эстетического наслаждения, но и своего рода историческим документом. Собирая материалы по истории Пугачевского восстания, поэт внимательно изучает песни того времени. Приезжая в Москву, он часто бывает в доме братьев Киреевских, один из которых — Петр Васильевич—был известным собирателем русской песни.
Во время долгих переездов по России Пушкин знакомится с ямщицкими песнями.
Пой — в часы дорожной скуки
На дороге в тьме ночной;
Сладки мне родные звуки
Звонкой песни удалой.
Пой, ямщик!
Я молча, жадно
Буду слушать голос твои.
(«В поле чистом серебрится»)
Не только русские, но и восточные мелодии пленяли слух поэта. Живя на Кавказе, Пушкин слушает песни горцев, в Кишиневе его увлекают турецкие песни в исполнении гречанки Калипсо Полихрони, по словам Пушкина, знакомой с Байроном. Всю жизнь любя «дикие напевы» цыган, Пушкин в Бессарабии даже присоединяется к табору и позднее в поэме «Цыганы» пишет, что
В походах медленных любил
Их песен радостные гулы.
Поэт часто обращается в своем творчестве к фольклору: пение Баяна в «Руслане и Людмиле», черкесская песня в «Кавказском пленнике», татарская песня рабынь в «Бахчисарайском фонтане», песня девушек в «Евгении Онегине», шотландская народная песня в трагедии «Пир во время чумы» и так далее.
Не одна только народная музыка завоевывает симпатии поэта. Пушкину хорошо известно все современное ему музыкальное искусство—будь то русская или зарубежная опера, симфоническая или камерная музыка.
Уже в лицейские годы в домашнем театре графа В. Толстого поэт знакомится с модными в то время операми Е. Фомина и Д. Паизиелло; кроме этого он бывает на музыкальных вечерах учителя музыки Теппера. После окончания лицея круг музыкальных впечатлений значительно расширяется. С музыкой поэт соприкасается в концертных залах музыкальных собраний, в театрах, на вечерах у друзей-музыкантов. Постепенно формируется его музыкальный вкус, выявляются музыкальные привязанности.
Жизнь Пушкина в Петербурге со времени окончания лицея (1817) и до момента ссылки на юг (1820) богата музыкальными впечатлениями. Поэт слушает игру знаменитого пианиста Джона Фильда, восхищается пением известной итальянской певицы Каталани, знакомится с композиторами Верстовским и Алябьевым.
В этот период театр — трагедия, комедия, опера, балет — занимает весьма значительное место в жизни Пушкина.
Часто в письмах Пушкин говорит о Россини. Из Одессы поэт пишет Дельвигу: «Правда ли, что едет к нам Россини и итальянская опера? Боже мой! Это представители рая небесного. Умру с тоски и зависти». А в письме к Вяземскому он замечает: «Твои письма оживляют меня, как умный разговор, как музыка Россини».
Возвратившись из ссылки, Пушкин с жадностью и восторгом окунается в мир искусства. Он завсегдатай на концертах в филармоническом зале. Весьма интересны программы этих концертов: Реквием Моцарта, «Сотворение мира» Гайдна, симфонии Бетховена. Пушкин — частый гость и на музыкальных вечерах у Виельгорских, у Зинаиды Волконской, дом которой был, как писал Вяземский, «волшебный замок музыкальной феи. Там стены пели: там мысли, чувства, разговор, движения— все было пение». Известно, что в первое знакомство с Пушкиным Зинаида Волконская поет ему элегию «Погасло дневное светило», положенную на музыку весьма известным в те годы в Москве пианистом и композитором И. Геништой.
Будучи другом талантливой пианистки М. Шимановской, поэт пишет в ее альбом слова, которые передают его отношение к музыке: «Из наслаждений жизни одной любви музыка уступает, но и любовь — мелодия». Эти строки потом вошли в маленькую трагедию «Каменный гость».
Приезжая в Москву, Пушкин бывает в Петровском (теперь Большом) театре. В московских и петербургских театрах шли в то время оперы: «Волшебная флейта», «Дон Жуан» Моцарта, «Волшебный стрелок» Вебера, «Фенелла» Обера.
Известно, что Пушкин был на первом представлении оперы Глинки «Иван Сусанин» 27 ноября 1836 года. Многие тогда не поняли оперы, но Пушкин оценил ее сразу и ответил на злобные выпады клеветников стихами:
Слушая сию новинку,
Зависть, злобой омрачась,
Пусть скрежещет, но уж Глинку
Затоптать не может в грязь.
Музыка Глинки была дорога и понятна Пушкину. Известно, что поэт часто встречался с Глинкой, слушал его у Дельвига, Олениных, Шимановской, Керн, Жуковского. На музыкальных вечерах у Дельвига «он (Глинка.—Е. С.) часто услаждал весь наш кружок своим дивным вдохновением», — вспоминает А. Керн.
Нередко на вечерах исполнялись романсы и песни на слова Пушкина. Еще в юношеские годы его стихи были переложены на музыку лицейскими композиторами Н. Корсаковым и М. Яковлевым; постепенно круг музыкантов, обращающихся к поэзии Пушкина, расширяется. При жизни поэта на его тексты писали романсы Верстовский, Алябьев, Титов, Виельгорский, молодой Глинка и многие другие. Композиторов в этот период интересовали стихотворения Пушкина, имеющие куплетную форму, воспевающие любовь и природу. Многие романсы входят в постоянный светский репертуар («Черная шаль», «Старый муж» А, Верстовского, «Зимний вечер» М. Яковлева, «Погасло дневное светило» И. Геништы).
С 1823 по 1837 год русскими композиторами написана музыка более чем к 70 лирическим произведениям Пушкина. Некоторые стихи Пушкина выходили в свет вместе с нотами. Так, «Слеза» появилась в виде романса композитора М. Яковлева — лицейского друга Пушкина; таким же образом было опубликовано стихотворение «Я здесь, Инезилья» с музыкой Глинки.
Большое число стихотворений поэта в 20-е годы пелось как городская песня: «Черная шаль», «Под вечер осенью ненастной», «Талисман», «Узник», «Буря мглою», «Девицы, красавицы», «Старый муж», «Любви, надежды, тихой славы».
Гениальная опера «Руслан и Людмила» М. Глинки (1842) открыла пути воплощения в музыке не только лирических, но эпических, фантастических и сатирических образов Пушкина.
Среди имен композиторов второй половины XIX века выделяются Даргомыжский, Мусоргский, Римский-Корсаков, Чайковский, которые в своих операх стремились раскрыть разные стороны творчества поэта: социальную, бытовую, историческую, политическую, философскую, лирическую.
Советские композиторы, во многом по-новому оценивая наследие великого Пушкина, также создали целый ряд значительных сочинений. Истинный патриотизм Пушкина, глубокая народность его творений, яркая национальная окраска, сочность и богатство русского языка — вот те черты его поэзии, которые особенно созвучны советскому человеку. Именно этим можно объяснить, что советские композиторы неустанно вносят свой вклад в музыкальную пушкиниану, претворяя лирические, драматические, эпические и сказочные образы его произведений в музыку.
Только за послеоктябрьский период написано 600 романсов и хоров, до двадцати балетов, более десяти опер, музыка к спектаклям и кинофильмам. Эти цифры с годами растут, и мы можем смело сказать, что уже сейчас почти каждое лирическое произведение Пушкина воплощено в музыке. Среди советских композиторов можно назвать такие известные имена, как Глиэр, Прокофьев, Шостакович, Асафьев.
Интерес к сочинениям Пушкина проявляет не только советский народ, но и народы всего мира. Все больше появляется музыкальных произведений на его сюжеты зарубежных композиторов, которые по-своему их понимают и воплощают в звуках. Среди них следует отметить романсы Б. Бриттена (Англия), В. Лютославского (Польша), В. Новака (Чехословакия) и других.
Этот небольшой очерк хочется завершить словами В. Г. Белинского: «Пушкин принадлежит к вечно живущим и движущимся явлениям, не останавливающимся на той точке, на которой застала их смерть, но продолжающим развиваться в сознании общества. Каждая эпоха произносит о них свое суждение, и как бы ни верно поняла она их, но всегда оставит следующей за нею эпохе сказать что-нибудь новое и более верное».
Поэма «Руслан и Людмила», написанная Пушкиным в марте 1820 года, сразу привлекла внимание читателей живостью фантазии и красочностью картин, изяществом стиля повествования, звучностью языка. «Руслан и Людмила» — поэма дружбы и любви, благородства и подвига. Так она была воспринята читателем, так ее почувствовал Глинка.
В воспоминаниях современников проскальзывает замечание, что Пушкин как-то сказал: «В России есть патриотическая опера, теперь ей нужна опера лирическая». Под патриотической оперой поэт разумел «Ивана Сусанина» Глинки. Некоторые предполагают, что эти оброненные Пушкиным слова дошли до Глинки, который искал сюжет для новой оперы. На поэму «Руслан и Людмила» указал композитору А. Шаховской, известный в те годы автор комедий. Сценические возможности, скрытые в сюжете поэмы, к тому времени уже отчасти были выявлены: во-первых, сам Шаховской сделал волшебное представление с пением, хором, танцами и мелодрамами, которое называлось «Финн», во-вторых, знаменитый хореограф Дидло поставил балет по мотивам «Руслана и Людмилы».
Глинка решает писать оперу.
«На одном из вечеров Жуковского Пушкин, говоря о поэме своей «Руслан и Людмила», сказал, что он бы многое переделал; я желал узнать от него, какие именно переделки он предполагал сделать, но преждевременная кончина его не допустила меня исполнить этого намерения»,— читаем в «Записках» Глинки.
Гибель Пушкина помешала осуществлению творческого союза двух гениев. Композитор, охваченный пламенем вдохновения, пишет музыку не имея не только либретто, но даже плана оперы. По словам Глинки, она писалась «по кусочкам, и урывками». Словесный текст составили, включая композитора, шесть человек. Понятно, что в опере имеются сюжетные погрешности (некоторая растянутость, отсутствие динамики в развитии действия), но они искупаются музыкой редкой красоты и очарования. Каждая ария, каждая звуковая картина благоухает свежестью мелодий, блистает оркестровыми красками, сияет вечной новизной.
Премьера оперы состоялась 27 ноября 1842 года. Меньше чем за три месяца опера выдержала 32 представления.
Однако многим современникам композитора, в числе которых были и музыканты, опера показалась чересчур длинной. Ее начали кромсать, делать купюры. Это калечило произведение, лишало его логичности и целостности. Но уже тогда опера завоевала поклонников. Музыкальный критик В. Ф. Одоевский писал: «О, верьте мне! на русской музыкальной почве вырос роскошный цветок — он ваша радость, ваша слава. Пусть черви силятся вползти на его стебель и запятнать его — черви спадут на землю, а цветок останется. Берегите его, он цветок нежный и цветет — лишь один раз в столетие».
В наше время опера идет без сокращений и до сих пор покоряет слушателей богатством музыкальной фантазии. Про ее музыку можно сказать словами Пушкина: «Там русский дух. там Русью пахнет!»
Вступление, рисующее «старой битвы поле», — одна из ярких эпических страниц оперы. Сосредоточенное, навевающее раздумья, оно подготавливает речитатив и арию Руслана.
Музыка арии характеризует и богатырский дух Руслана, его героическую решимость, и теплоту, нежность при воспоминании о своей невесте Людмиле.
Музыкальный образ Людмилы, наиболее ярко раскрывается в IV действии оперы. Героиня томится в волшебных садах Черномора, тоскует по далекой родине и дорогом Руслане.
В большой и разнообразной по настроению ее арии Глинка хотел передать, говоря его словами, «весь милый характер Людмилы». Мелодия «Долюшки», напоминающая народную лирическую песню, подчеркивает русский характер героини, передает ее глубокую печаль.
С иной стороны раскрывается образ Людмилы в быстрой части арии, которую композитор противопоставил протяжной «Долюшке». Перед слушателем решительная девушка, гордая своей любовью к витязю, к родине, гневно отклоняющая притязания волшебника Черномора.
Любви, верности, честности — словом, доброму началу противостоят в опере злые волшебники Черномор и Наина. Начиная с увертюры, их лейтмотивы (музыкальные характеристики) пронизывают всю музыку оперы, звучат как настораживающий сигнал.
Центром музыкальной характеристики Черномора является знаменитый марш. Причудливая, резко очерченная мелодия марша то передает безграничную властность восточного деспо. то дрожаще-подпрыгивающими ритмами подчеркивает безобразие его внешнего облика.
А. Даргомыжский
РУСАЛКА
Над трагедией «Русалка» Пушкин начал работать в 1829 году. В эти годы на петербургской сцене шла опера венского композитора Ф. Кауэра «Леста, днепровская русалка» на текст Н. Краснопольского. Пушкин даже имел экземпляр этой оперы. «Русалка» Краснопольского, русские народные сказки и предания побудили поэта создать свое произведение. Эта неоконченная пьеса по драматизму ситуации и психологической правдивости изображения представляет собой одну из вершин творчества Пушкина.
Напечатана «Русалка» была после смерти автора. На появление этого произведения живо откликнулся Белинский. Он писал: «. Великий талант только в эпоху полного своего развития может в фантастической сказке высказать столько общечеловеческого, действительного, реального, что, читая ее, думаешь читать совсем не сказку, а высокую трагедию».
Даргомыжский не раз в переписке отмечал свою особую любовь к творчеству Пушкина, не раз говорил: «. не могу шагу без него». Им написано на тексты Пушкина 17 романсов и 3 оперы («Торжество Вакха», «Русалка» и «Каменный гость»).
Писать оперу на сюжет пушкинской «Русалки» было делом и трудным и ответственным. Трудным потому, что трагедия не закончена, а ответственным потому, что Пушкин ставит в своем произведении вопросы огромной социальной глубины. Музыка должна была не только соответствовать драматической силе текста, но и обогащать его. Как показала сценическая долговечность оперы, Даргомыжский блестяще решил эти задачи. Не найдя либреттиста, композитор сам пишет текст для своей оперы. В одном из его писем читаем: «Что меня мучает— это либретто: вообрази, что я сам плету стихи. Поэты у нас все гении. и с ними ладу никакого нет; смотрят на тебя с высоты и презирают».
Либретто, созданное композитором, очень близко трагедии Пушкина. Лишь кое-где Даргомыжский ставит свои акценты: смягчает образ Князя, усиливает трагические переживания Мельника. Сам же композитор пишет текст финала для своего произведения, который является логическим завершением трагедии Пушкина. Опера впервые была исполнена в 1856 году, но из-за плохих декораций, костюмов, из-за купюр успеха не имела.
Возобновлена она была в 1865 году и прошла под гром аплодисментов. По этому поводу сам Даргомыжский писал: «Опера пошла так, как будто никогда не давалась. Вызовам артистов и меня конца нет».
Объясняется это тем, что в театр в 60-е годы пришла новая публика — разночинная интеллигенция, которой импонировали и глубоко народная музыка (в мелодическую ткань оперы композитор вплетает подлинно народные песни, кроме того, вся музыка этого сочинения проникнута интонациями, близкими к народным), и демократическое содержание оперы.
Отношение интеллигенции к «Русалке» Пушкина, прочитанной по-новому, с глубоким пониманием ее идей, выразил Н. Г. Чернышевский: «Русалка» решительно должна быть названа одним из превосходнейших произведений поэзии Пушкина».
Была по достоинству оценена и опера А. С. Даргомыжского. «По своей мелодической прелести,— писал Чайковский,— по теплоте и безыскусственности вдохновения, по изяществу кантилены и речитатива «Русалка» в ряду русских опер занимает бесспорно первое место после недосягаемо гениальных опер Глинки».
Каватина Князя — одна из любимейших арий — привлекает слушателей выразительной мелодией. Большую роль отводит композитор сопровождению, усиливающему, дополняющему ее драматический характер.
П. Чайковский
ЕВГЕНИЙ ОНЕГИН
Над романом в стихах «Евгений Онегин» Пушкин работал более восьми лет. Развитие жизни общества, современного поэту, эволюция взглядов его самого отразились на идейном содержании романа. Широта обзора экономической, политической и духовной жизни России в первую четверть XIX века, глубина и типичность характеров героев позволили В. Г. Белинскому назвать это произведение Пушкина «энциклопедией русской жизни».
Наравне с философской, сатирической и пародийной сторонами это произведение проникнуто большим лиризмом, мягкостью. Недаром Белинский писал, что «Евгений Онегин» «есть самое задушевное произведение Пушкина, самое любимое дитя его фантазии. Здесь вся жизнь, вся душа, вся любовь его; здесь его чувства, понятия, идеалы».
Не без волнения почти через 50 лет обратился к этому произведению П. И. Чайковский. Будучи «великим лириком» (определение М. Горького), Чайковский всегда боялся надуманности, нарочитой вычурности в музыкальном искусстве. В его письме к С. Танееву читаем: «Я охотно примусь за всякую оперу, где хотя и без сильных и неожиданных эффектов, но существа, подобные мне, испытывают ощущения, мною тоже испытанные и понимаемые. Ощущений египетской принцессы, фараона, какого-то бешеного нубийца — я не знаю, не понимаю. Я ищу интимной, но сильной драмы, основанной на конфликте положений, мною испытанных или виденных, могущих задеть меня за живое».
Обратившись к роману «Евгений Онегин», Чайковский понимал, что в опере невозможно передать широкое эпическое полотно, поэтому композитор останавливается на лирической линии произведения: любовь Татьяны к Онегину, Ленского к Ольге, Гремина к Татьяне. Его интересовали интимные переживания героев, их чувства, желания, горести и разочарования. Поэтому Чайковский назвал свое произведение лирическими сценами. Из этого, конечно, не следует, что композитор ограничивает сюжет оперы рамками любовных переживаний героев. Перед слушателем раскрываются и быт поместных дворян Лариных, и сцены светской жизни Греминых.
Работа над оперой целиком захватила Чайковского и продвигалась быстро. В одном из писем композитор признается: «. я влюблен в образ Татьяны, я очарован стихами Пушкина и пишу на них музыку, потому что меня на это непреодолимо тянет».
Однако, избегая сценических эффектов, создавая оперу, проникнутую простотой и безыскусственностью, автор понимал, что вряд ли аристократический партер поймет и оценит его детище, кроме того, он считал, что только молодые, искренние исполнители смогут передать прелесть пушкинских героев. Именно этим объясняется, что первое представление «Онегина» было не на сцене императорского театра, а в московском Малом театре силами учащихся Московской консерватории 17 марта 1879 года под управлением Н. Г. Рубинштейна.
Прелестная музыка оперы, истинно русская, простая и правдивая, с широкими распевными мелодиями, с красочным, но удивительно корректным оркестровым сопровождением, музыка, индивидуализирующая каждого героя, музыка на редкость понятная, сама собой запоминающаяся слушателем, в фантастически короткий срок завоевала горячую симпатию русского человека, которая передается из поколения в поколение, становясь все более глубокой.
«Лирические сцены» Чайковского привлекали к себе взоры многих замечательных представителей русского искусства. Оперой дирижировали Н. Рубинштейн и С. Рахманинов, ее ставил К. Станиславский, партии Онегина и Гремина пел Ф. Шаляпин, партию Ленского проникновенно исполнял Л. Собинов. Сейчас опера Чайковского идет почти во всех оперных театрах страны и горячо любима зрителями. Известный советский композитор, искусствовед и музыкальный критик академик Б. В. Асафьев писал: «Евгений Онегин»—одно из тех редких произведений искусства, которые так неотъемлемо входят в жизнь, прилепляются к ней так цепко, что становятся сами жизненным неизбежным фактом. всегда дорогим и ласково греющим душу».
«Если я горел огнем вдохновения, когда писал сцену письма, то зажег этот огонь Пушкин»,— писал Чайковский. Сцена письма — одна из самых проникновенных страниц русской оперьг В страстной, насыщенной горячим чувством музыке раскрывается весь душевный облик Татьяны —мятущейся, любящей, глубоко искренней.
Новое отношение Онегина к Татьяне, сила любви, таившаяся в его душе, раскрываются в последней сцене оперы. Его ария полна страстной надежды на любовь и счастье. И словно в оцепенении, пораженные сознанием невозвратимости утраченного, повторяют Онегин и Татьяна слова: «Счастье было так возможно, так близко!»
П. Чайковский
ПИКОВАЯ ДАМА
В 1834 году выходит в свет «Пиковая дама» Пушкина и сразу же делается популярнейшим произведением того времени. Биограф Пушкина П. В. Анненков писал: «Пиковая дама» произвела при появлении своем. всеобщий говор и перечитывалась от пышных чертогов до скромных жилищ с одинаковым наслаждением. »
Вскоре после появления «Пиковой дамы» ее начинают инсценировать. Первая попытка относится к 1836 году. На сцене Александрийского театра появляется пьеса с таинственным названием «Хризомания, или Страсть к деньгам» А. Шаховского, но успеха эта переделка «Пиковой дамы» не имела.
В 40-х годах в Париже появляется одноименная опера Ж. Галеви.
В 70—80-х годах в Петербурге шла драма Д. Лобанова на пушкинский сюжет «Картежник». Интерес к этому произведению был обусловлен огромной драматической силой, присущей повести Пушкина.
В 1890 году к повести Пушкина обращается П. И. Чайковский. «Писал я оперу с самозабвением и увлечением», — говорил композитор. Многие сцены так захватывали Чайковского, что он чувствовал непреодолимый ужас от них, будто был их участником. Либретто к замечательной опере П. И. Чайковского написал его брат Модест. Либреттист, сохранив основную линию пушкинского сюжета, внес в него ряд изменений: во-первых, Герман в опере любит Ли-зу: во-вторых, действие происходит не во времена Пушкина, а в царствование Екатерины II; г.-третьих, Лиза по опере не бедная приживалка графини, а ее внучка, что резко обостряет социальный конфликт произведения (Герман—бедный офицер — добивается любви знатной и богатой девушки). Опера была написана в 44 дня и поставлена 7 декабря 1890 года в Петербурге. Успех «Пиковой дамы» был исключительным, публика приняла оперу восторженно. По своим достоинствам это произведение считается вершиной оперного мастерства Чайковского. Его музыка отличается динамическим развитием, насыщенностью, острым драматизмом и яркими контрастами. Большая роль отведена оркестру, который часто дополняет и обогащает музыкальную характеристику героев.
В наши дни опера Чайковского «Пиковая дама» является одним из любимейших произведений советского зрителя.
Образ Германа представлен в опере Чайковского в развитии.
Проникновенная музыка первого ариозо Германа «Я имени ее не знаю. » рисует трогательно-нежное чувство героя, его благоговейную любовь.
Совершенно иным предстает Герман в последней арии — монологе «Что наша жизнь?». Этот монолог построен на той же мелодической основе, что и первое ариозо, но лишен теплоты, искренности, сердечности.
В предсмертной сцене образ Германа снова приобретает привлекательность, ибо в этот последний миг жизни он понимает, что истинное счастье ему могла принести только любовь Лизы. Он умирает со словами раскаяния и любви на устах.
С особой нежностью и теплотой раскрывает композитор образ Лизы в ее знаменитом ариозо «Ах, истомилась, исстрадалась я. ». В простой арии-песне она как бы в раздумье беседует с собой, решаясь только себе рассказать о горькой любви, о тревожных предчувствиях. Не жалоба и не досада, а скорее готовность на все испытания ради своего чувства звучит в этой арии.
Н. Римский-Корсаков
СКАЗКА О ЦАРЕ САЛТАНЕ
D 30-х годах Пушкин создает ряд сказок. Знание русского фольклора поэт широко использовал в своем творчестве. По словам М. Горького, «Пушкин был первым русским писателем, который обратил внимание на народное творчество и ввел его в литературу, не искажая. ».
В 1899 году к столетию со дня рождения Пушкина Н. А. Римский-Корсаков создает оперу на сюжет «Сказки о царе Салтане, о сыне его славном и могучем богатыре князе Гвидоне Салтановиче и о прекрасной царевне Лебеди». Либретто к этой опере написал В. Н. Вельский, сохранив по возможности пушкинский текст и сюжет.
Музыка Римского-Корсакова замечательно передает неторопливый стиль повествования, нарочитую медлительность в развитии действия, свойственные пушкинскому произведению. Очень живописны симфонические антракты: знаменитые «Три чуда», «Полет шмеля» и другие.
В опере, как и в сказке Пушкина, намечены две линии—реально-бытовая и фантастическая. Римский-Корсаков писал, что «Салтан» сочинялся в смешанной манере. инструментально-вокальной. Вся фантастическая часть скорее подходит под первую, реальная же — под вторую».
Мягкий, шутливый тон этого произведения подчеркивается близостью некоторых музыкальных эпизодов к частушке. В музыке часто звучат подлинно народные песни и песни, созданные композитором в духе народного фольклора.
Первая постановка оперы состоялась в октябре 1900 года в Москве и прошла с шумным успехом. Восторг зрителей был вызван как прекрасной музыкой, так и блестящим оформлением спектакля, которое принадлежало кисти замечательного русского художника М. А. Врубеля. С тех пор «Сказка о царе Салтане» прочно вошла в оперный репертуар русского театра.
Чудеса пушкинской сказки переданы Римским-Корсаковым в большой симфонической картине. Каждому «чуду» предшествует фанфара, которая, по словам Римского-Корсакова, имеет значение «зазыва к слушанью или смотренью начинающегося за ней действия». Волшебный город Леденец рисуется мерцающим перезвоном хрустальных колоколов. Эту тему Леденца сменяет песенка «Во саду ли, в огороде», которую поет в сказке Пушкина «затейница-белка». Снова раздаются звуки фанфары. Это проходят тридцать три богатыря.
Все красавцы удалые, Великаны молодые, Все равны, как на подбор, С ними дядька Черномор.
Опять звучат фанфары и появляется чарующая мелодия — плывет Лебедь-птица. Ее изящная тема постепенно переходит в широкую распевную мелодию—гимн доброй и прекрасной царевне, от которой
Не можно глаз отвесть:
Днем свет божий затмевает,
Ночью землю освещает,
Месяц под косой блестит,
А во лбу звезда горит.
Н. Римский-Корсаков
СКАЗКА О ЗОЛОТОМ ПЕТУШКЕ
В 1834 году Пушкин создает редкую по сатирической силе «Сказку о
золотом петушке».
Сюжет этого произведения лег в основу последней оперы Н. А. Римского-Корсакова «Золотой петушок», в которой композитор задался целью «Додона (у Пушкина — Дадон. — Е. С.) осрамить окончательно».
Либретто, написанное В. Н. Вельским, во многом углубляет злой сатирический тон пушкинского произведения, вводит много новых ситуаций, раскрывающих главную идею оперы —-высмеивание самодержавия. В центре оперы гротескный образ тупицы царя, желающего править народом, «лежа на боку», сроду не слышавшего слова «закон». Единственная радость, счастье для Додона — вкусная пища да мирный сон. Под стать царю-батюшке и его приближенные: воевода Полкан, который говорит, словно лает» сыновья Гвидон и Афрон — один другого глупее.
Мир красоты, утонченности, мечтательности олицетворяет прекрасная Шемаханская царица, которая противопоставляется в опере грубому, низменному царству Додона. Эта опера с антисамодержавным замыслом писалась Римским-Корсаковым в 1907 году, в период царской реакции после революции 1905 года. Понятно, что цензура не пропускала оперу, требовала изменений. Композитор с горечью писал: «Так, «Петушок» в России пойти не может. Изменять что-либо я не намерен». Опера появилась на частной сцене 14 сентября 1909 года в Москве, через год после смерти ее создателя, и была тепло принята слушателями. В советское время опера «Золотой петушок» идет во многих театрах без сокращений, так, как мечтал ее увидеть Римский-Корсаков.
Ария Шемаханской царицы является одним из выдающихся созданий Римского-Корсакова. Удивительное сочетание простоты, изысканности и изящной напевности, присущее этой арии, рисует нам пленительный образ молодой красавицы.